Toutes les chansons des bandes originales des Gardiens de la Galaxie, classées

Nov 10, 2023

Par Pierre roulante

Un Rip Van Winkle qui s'est endormi en 1980 et s'est réveillé en 2014 aurait peut-être été surpris de constater que les jeunes américains de 14 ans étaient encore en train de creuser des super hits des années 70 comme "Escape (The Piña Colada Song)" et "Come et obtenez votre amour." Cet été-là, Guardians of the Galaxy: Awesome Mix Vol. 1 est devenu le premier album de bandes sonores de chansons précédemment publiées à se hisser au sommet du palmarès des 200 albums du Billboard, grâce à l'utilisation parfois drôle, parfois poignante, toujours amoureusement revenante des classiques pop, rock et soul de la gloire. jours d'or de la radio AM. La super mixtape est passée de "I Want You Back" des Jackson 5 à "Moonage Daydream" de David Bowie en passant par "Come and Get Your Love" de Redbone et "Ain't No Mountain High Enough" de Marvin Gaye et Tammi Terrell. La deuxième bande originale de Guardians, à partir de 2017, était tout aussi bonne, mise en évidence par Fleetwood Mac, Glen Campbell, Looking Glass et l'une des plus belles ballades du grand soul Sam Cooke.

Dans le troisième film des Gardiens, notre héros Star-Lord tombe sur un lecteur Microsoft Zune, un artefact du début du 21e siècle qui permet une bande-son plus diversifiée sur le plan historique. Comme le réalisateur des Gardiens, James Gunn, l'a récemment déclaré à Rolling Stone, décrivant le nouveau film, "Ça ne commence pas par 'Come and Get Your Love'. Cela commence avec la version acoustique de "Creep" de Radiohead. Et c'est juste un ton très différent depuis le début que les deux autres films."

Pour célébrer toute la grande musique de ces films, nous avons établi notre classement définitif de chaque chanson des trois bandes sonores des Gardiens de la Galaxie. Les critères étaient simples : si la chanson est incroyablement géniale, elle figure en haut de la liste ; si ce n'est que très génial, ça va un peu plus bas, avec le bas de la liste rempli par des chansons de niveau modéré à bas. Comme l'a dit un jour le toujours sage Drax, "Il y a deux types d'êtres dans l'univers : ceux qui dansent et ceux qui ne le font pas."

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En tant qu'enfant grandissant dans les années 1970, le réalisateur des Gardiens de la Galaxie James Gunn adorait la version disco du thème Star Wars qui était en tête des charts en 1977. Lui et le compositeur des Gardiens Tyler Bates ont exploité cette ambiance avec leur version disco du thème des Gardiens, et ils ont fait apparaître la légende de Knight Rider et Baywatch David Hasselhoff dans la vidéo campy qu'ils ont faite pour cela. —JD

L'un des morceaux les plus récents à apparaître sur n'importe quelle bande originale des Guardians, le single "San Francisco" de Mowgli en 2012 est un brûleur de grange bruyant et criant, si contagieux dans son énergie qu'il n'a pas besoin de plus qu'un tas de "doo doo doos" pour un crochet. Le groupe, qui comptait à certains moments neuf membres, a écrit la chanson en une nuit dans une chambre de motel. Voisins chanceux. —CP

Alors que cette chanson du compositeur J-pop EHAMIC (de son vrai nom : Mikito Ehara) date de 2018, ses composants au son vintage s'intègrent parfaitement dans l'ambiance rétro de Guardians. Les percussions, le riff de guitare et la voix énergique sonnent comme quelque chose tout droit sorti d'une bande originale d'un film monstre loufoque des années 60 ; la ligne de basse a un rythme disco ; et il y a une accumulation électronique qui pourrait être une version Muzak des "White Lines" de Grandmaster Flash. —JG

Le trio rock de Chicago Aliotta Haynes Jeremiah a toujours affirmé que "Lake Shore Drive" s'inspire uniquement de la grandeur de la célèbre route nord-sud de leur ville natale et non de son acronyme nudge-nudge wink-wink. La feuille de paroles le confirme, tout comme le rebond de la musique sur la route. Pas étonnant que Star-Lord l'ait inséré dans le magnétophone pour la première scène de décollage de Guardians Vol. 2. —PC

Le single révolutionnaire des hybrides de Bay Area Faith No More est un ricanement tacheté de crachats à la grandeur égoïste des avantages caritatifs de la pop star des années 80 comme Live Aid et "We Are the World". Alors que le chanteur de "Care" Chuck Mosley a quitté le groupe en 1988, les basses proéminentes et les synthés induisant un malaise - ainsi que son attitude irrésistible envers une culture de masse irréprochable - restent les caractéristiques de l'esthétique Faith No More. "C'est un groupe totalement différent à bien des égards - un chanteur totalement différent, il est joué par un groupe de jeunes de 21 ans qui sont très naïfs, et vous pouvez entendre la naïveté dans la musique", a déclaré le bassiste Bill Gould dans un Entretien 2016. "C'est très primitif à certains égards, mais en même temps, c'est intéressant pour les gens qui connaissent Faith No More maintenant." —MJ

Un standard de vaudeville publié pour la première fois en 1917, "I'm Always Chasing Rainbows" a frappé fort pour Charles W. Harrison en 1918, cartographié en 1946 pour Perry Como, a reçu des interprétations fidèles de Julie Andrews et Judy Garland, parmi beaucoup d'autres, et a finalement été déchiqueté en miettes par une Alice Cooper lorgnant sur son deuxième solo, LP Alice Cooper Goes to Hell. C'est toujours un chant maudlin, comme toujours, mais la version de Cooper met en lumière à quel point les paroles sont absolument déprimantes. —CP

Alors que le refrain de ce morceau de 1983 des post-punkers britanniques The The est défini par un bon courage, ses couplets détaillent le genre de dépression paralysante qui ne peut résulter que d'une vie définie par des attentes déçues. L'accordéon larmoyant et les synthés scintillants, associés à la prestation lacérante du chanteur Matt Johnson sur les couplets, font de "This Is the Day" un point de référence idéal pour le "rock moderne", l'hybride intelligent du post-punk, de la synthpop et des bizarreries musicales qui régnaient Les listes de lecture à gauche de l'Amérique jusqu'au début des années 90. —MJ

Mélangeant les cordes dramatiques et les guitares juteuses de la country-pop de l'âge d'or avec un refrain percutant tout droit sorti de la section glamour d'un magasin de disques, cette coupe de 1976 était le seul succès du Billboard Hot 100 pour le groupe de Los Angeles Silver. (Il avait la touche Midas de Clive Davis, qui a coproduit le morceau à la tête du label de Silver, Arista.) Le refrain prêt pour une scène d'action de bande dessinée a fait de "Wham Bam" un choix inspiré pour faire partie de la bande originale de Guardians of la séquence de combat culminante du Galaxy 2, ajoutant un peu de légèreté avant que l'action sérieuse ne se déclenche. —MJ

Avec la troisième bande originale des Gardiens, James Gunn a inclus plusieurs morceaux offrant la preuve définitive qu'il est allé à l'université dans les années 1980. En voici un : X était l'un des groupes les plus cool de la scène punk LA du début des années 80, avec John Doe et Exene Cervenka partageant une alchimie incandescente sur la guitare rockabilly de Billy Zoom. "Poor Girl" est un moment tendre de leur album de 1983, More Fun in the New World, probablement un meilleur choix pour un film de super-héros que d'autres classiques du X comme "Sex and Dying in High Society" ou "Johnny Hit and Run Pauline". —JD

Le ver de l'oreille de 1964 "Come a Little Bit Closer" est l'un des airs les plus anciens du canon des Gardiens. Écrit par Tommy Boyce et Bobby Hart, c'est une chansonnette à consonance vaguement latine sur un type dans une cantine mexicaine qui décide contre son meilleur jugement de danser avec une fille qu'il vient de rencontrer, seulement pour que son petit ami José se présente, mécontent de la situation . Dans Vol. 2, il met en scène une évasion au cours de laquelle le pirate de l'espace Yondu assassine des dizaines et des dizaines d'ennemis, un par un, avec une flèche qu'il contrôle avec sa voix et une grosse nageoire rouge sur la tête. L'association d'un vieux morceau pop amusant et jetable avec une violence grizzly ressemble plus à Tarantino qu'à un blockbuster d'été. —JG

Il est logique que la franchise la plus trippante de Marvel finisse par se frayer un chemin vers les porte-drapeaux de la pop-psychédélisme post-millénaire. Toujours la chanson individuelle la plus émouvante des Flaming Lips, "Do You Realize ??" trouve quelque chose d'humain et de temporel au milieu d'une merveille de science-fiction tentaculaire, Wayne Coyne nous rappelant timidement que même lorsque nos pieds sont sur le sol, nous flottons tous dans l'espace. —CP

Le catalogue d'Allen Toussaint en tant que producteur ("Cissy Strut" des Meters, "Right Place, Wrong Time" du Dr John, "Lady Marmalade" de Labelle) et interprète définit à peu près le R&B de la Nouvelle-Orléans. Mais alors que "Southern Nights", la chanson titre de l'album de Toussaint de 1975, reste une beauté floue, ce n'est pas la version durable. Cela appartenait à Glen Campbell, qui en 1977 a sorti l'obscurité, caracolé le tempo, posé sur une guitare slide et l'a emmenée au country et à la pop numéro un, et a remporté à Toussaint un prix de la Country Music Association pour la chanson de l'année. —MM

Écrit par Mark James (dont les crédits incluent le dernier numéro un d'Elvis Presley, "Suspicious Minds") et à l'origine un succès pour BJ Thomas en 1968-69, "Hooked on a Feeling" a été rendu célèbre par Blue Swede, un groupe de rock scandinave qui couvraient eux-mêmes une version reggae de 1971 de la chanson d'un groupe jamaïcain appelé Twinkle Brothers. Il a été utilisé dans la bande-annonce du premier Gardiens, un peu de notation qui a fait savoir au public qu'il s'agissait d'un film Marvel qui ne ressemblerait à personne avant lui. —JG

On a tendance à considérer "Creep" comme la jeunesse du catalogue Radiohead - avant The Bends, avant les "vrais trucs". Mais l'inverse est en fait vrai : "Creep" est un premier aperçu du plein potentiel du groupe, un gâchis de chagrin d'amour et de dégoût de soi avec des guitares qui sonnent comme un glacier qui fond. La célèbre interprétation acoustique coupe le morceau jusqu'à la colonne vertébrale, mettant en lumière la voix de Thom Yorke avec un effet dévastateur. (Vous pouvez l'entendre encore plus déconstruit avec le remix apocalyptique de neuf minutes de Yorke de 2021.) —CP

La ballade d'angoisse générationnelle de Cat Stevens est la bande-son de la scène finale émouvante du deuxième film des Gardiens, frappant un sweet spot nostalgique pour les parents chaperons plus âgés de la soirée cinéma qui ont grandi en écoutant les copies de Tea for the Tillerman de leurs parents. Stevens l'a écrit pour une comédie musicale inachevée intitulée Revolussia sur la révolution russe sur laquelle il a commencé à travailler à la fin des années soixante ; il a dit plus tard que cela reflétait sa relation avec son père. —JD

​​Lorsque l'ex-guitariste d'Argent Russ Ballard a enregistré "Since You Been Gone" pour Winning en 1976, il avait toutes les caractéristiques d'un joyau AOR du milieu des années 70 : un refrain sha-la-la-prêt, des paroles de nostalgie pour un amour perdu, une ligne de clavier légèrement espacée enfouie dans le mix. Trois ans plus tard, les Rainbow dirigés par Ritchie Blackmore ajoutaient un peu de brillance à leur son proto-power-metal après le départ du wailer fondateur Ronnie James Dio, et leur version plus dure de "Gone" montrait à quel point la pop se mélangeait facilement à leur alliage. , avec le nouveau chanteur Graham Bonnet présentant ses formidables tuyaux et Blackmore dévidant un solo doucement virtuose. —MJ

"In the Meantime" de Spacehog présente l'une des premières ouvertures de la radio alt-rock des années 90 : un scintillement de guitare immédiatement reconnaissable, une accumulation progressive de guitare et de batterie, puis un crochet sans paroles. Le groupe est une merveille à succès unique, mais d'une manière brit-pop arty très décontractée; "In the Meantime" présente un extrait élégant de la chanson "Telephone & Rubber Band" de 1981 des minimalistes avant-pop anglais Penguin Cafe Orchestra. —CP

Bien que feu Maurice White ait été l'instigateur, le leader et le principal producteur du groupe de funk classique tentaculaire Earth, Wind & Fire, certaines de leurs chansons les plus résonnantes sont venues de l'arrangeur et coproducteur de longue date Charles Stepney, décédé en 1976. Je ne peux pas parler de "Reasons", de "That's the Way [of the World]" et de bien d'autres chansons sans dire Charles Stepney", a déclaré Philip Bailey en 1986. "Parce que beaucoup de ces mélodies et changements d'accords sont sortis tout droit de son sous-sol, sur un quatre pistes. … Charles n'était qu'un génie de la musique, il l'était vraiment. Stepney avait composé la mélodie élastique de "Reasons" sur un synthétiseur Mini-Moog. Mais c'est la performance sans faille de Bailey dans son fausset étincelant qui a fait de la chanson – dont les paroles parlent, ironiquement, d'une aventure d'un soir – un standard de mariage et de bal. —MM

George Harrison a marqué le premier palmarès d'un ancien Beatle lorsque cette coupe divinement inspirée de son chef-d'œuvre All Things Must Pass a atteint la première place du Billboard Hot 100 à la fin des années 1970. Harrison a commencé à écrire le morceau lors d'une tournée avec le duo blues-folk Delaney et Bonnie en 1969, prenant le concept derrière ses vers ardents d'un livre du moine indien Swami Vivekananda. "Il a dit:" S'il y a un Dieu, nous devons le voir. S'il y a une âme, nous devons la percevoir ", a déclaré Harrison à Timothy White de Billboard en 1992. " Sinon, il vaut mieux ne pas croire. Il vaut mieux être un athée franc qu'un hypocrite.' … J'ai pensé : 'D'accord, c'est celui qu'il me faut !' S'il y a un Dieu, je veux le voir." —MJ

"Spirit in the Sky" a commencé son ascension en tant que démo folk de l'auteur-compositeur Norman Greenbaum, mais a grandi en studio lorsque le producteur Erik Jacobson l'a construit avec des percussions, des chœurs et le son Telecaster singulier de Greenbaum, fourni par une unité de fuzz intégrée. , créant un riff d'ouverture immédiatement reconnaissable. Le résultat était une chanson gospel-rock légèrement psychédélique écrite par un juif, inspiré par son amour des westerns. Selon une interview de Rolling Stone en 2020, Greenbaum a noté qu'il connaissait plusieurs salons funéraires qui l'utilisaient dans des publicités. –JG

Une confiserie power-pop désarmante, le hit "Go All the Way" des Raspberries en 1972 enterre un refrain enthousiaste et étonnamment axé sur le consentement sous une enveloppe extérieure croustillante de riffs de proto-garage vertueux. Le groupe basé à Cleveland a suscité la colère pour avoir joué du rock de style British Invasion dans des smokings blancs, mais les chansons du groupe étaient le meilleur type de pastiche, emballant une myriade d'influences dans quelque chose d'immédiatement consommable. —CP

Le single révolutionnaire de Florence + the Machine en 2009, qui apparaît sur la bande originale de Vol. 3, est un hymne puissant qui capture le frisson terrifiant qui s'écrase dans l'esprit lorsqu'un rêve devient réalité - et son refrain exultant est venu de Florence Welch qui sillonnait Londres, trouvant l'inspiration dans les détails de ses voyages. "'Dog Days Are Over' a été directement inspiré par une installation artistique de l'artiste Ugo Rondinone", a déclaré Welch à ArtistDirect en 2010. "Il a une installation artistique sur le côté de cette galerie à New York qui dit simplement : "Hell, Yes !' Ugo avait une installation sur le côté d'un autre bâtiment qui disait : « Dog Days Are Over ». Cela m'inspirait à chaque fois que je faisais du vélo sur le pont de Waterloo, et cela a essentiellement déclenché toute la chanson." —MJ

Looking Glass a fait ses armes sur la même scène de club de Jersey Shore que Bruce Springsteen. Après avoir signé le groupe chez Epic Records, le chef du label Clive Davis les a envoyés à Memphis pour enregistrer avec la légende de Stax/Volt Steve Cropper. Lorsque cette session n'a pas fonctionné, ils sont retournés à New York pour terminer "Brandy". "J'aimais l'idée d'essayer de raconter toute une histoire en deux minutes et 59 secondes", se souvient le chanteur-guitariste de Looking Glass Elliot Lurie. Il a fait du bon travail, donnant à des générations de barflies au bord de la plage un classique de la mer à chanter ivre alors que les émotions deviennent collantes à l'heure de la fermeture. —JD

Un point culminant du rock dur des premières années odieuses des Beasties – d'une époque, il convient de se rappeler, où beaucoup voyaient Brooklyn comme juste ce côté d'un marigot, contrairement à la hanche raréfiée de Manhattan. Au lieu de cela, les rappeurs se sont célébrés – "Jamais, jamais de faux métal!" crient-ils (même si la vidéo parodie les clips de Poison et Whitesnake) avant que Kerry King de Slayer ne déchire un solo culminant – même si leurs personnages exagérés conduiraient Mike D à admettre à l'époque, "Je pense que si je n'étais pas dans les Beastie Boys, Je détesterais certainement une partie de ça." —MM

"La mélodie est agréable", informe Gamora de Star-Lord, lorsqu'il la joue "Fooled Around and Fell in Love". En effet, ça l'est. Elvin Bishop était un vétéran du blues-rocker dont la carrière remonte au milieu des années 60 lorsqu'il jouait dans le Paul Butterfield Blues Band. Sachant qu'il avait quelque chose de spécial avec le sublime "Fooled Around and Fell in Love", il a confié le chant principal au chanteur Mickey Thomas, craignant que sa propre voix robuste ne soit pas la bonne solution pour une chanson aussi douce. —JD

Juste au moment où le troisième album de Replacements, Hootenanny, était en train d'être masterisé, le chanteur et compositeur du groupe, Paul Westerberg, a appelé le manager Peter Jesperson et lui a dit : « Je viens de terminer la meilleure chanson que j'aie jamais écrite. Nous devons l'enregistrer. maintenant." Il était trop tard pour ajouter à l'album fini, c'était donc la cheville ouvrière du suivant, le magistral Let It Be de 1984. Lorsque Jesperson a entendu "I Will Dare" pour la première fois, sa réaction - "C'était tellement accrocheur", a-t-il déclaré au biographe de Remplacements Bob Mehr - allait bientôt résonner dans tout le métro de la radio universitaire, avant de se frayer un chemin dans la plus grande galaxie. —MM

Les frères mi-mexicains et mi-amérindiens Pat et Lolly Vegas avaient des antécédents musicaux fascinants bien avant de créer le groupe Redbone, jouant de tout, du jazz à la musique surf en passant par les sessions rock & roll des années 60. Ils n'ont fait qu'un seul succès durable en tant que groupe, mais il est aussi grand que leur arbre homonyme : un classique instantanément attrayant de woo-pitching d'appel et de réponse. (Deux décennies plus tard, l'unité d'Eurodance Real McCoy a frappé avec un remake synth-house tout aussi mignon.) Lorsque Redbone a interprété la chanson dans l'émission télévisée Midnight Special, ils ont précédé la chanson avec près d'une minute de danse amérindienne, tandis que les frères Vegas se produisaient dans insignes complets. —MM.

"Cherry Bomb", le premier single du groupe entièrement féminin de Los Angeles, "Cherry Bomb", a lancé une grenade bordeaux dans le monde de la power pop et du glamour des années 70, après la chanson phare des Ramones "Blitzkrieg Bop" d'environ un mois et préfigurant l'explosion de popularité du punk de près d'un an. Écrit par Joan Jett, l'une des rock stars les plus cool de tous les temps, et le manager des Runaways Kim Fowley, l'une des personnes les moins cool de l'histoire de la musique, "Cherry Bomb" jouait en fait sur le plateau alors que les Gardiens se préparaient pour leur bataille finale avec Ronan le Accusateur. —JG

Les membres de 10cc se sont réunis pour la première fois en tant que musiciens de session à Manchester, en Angleterre, au début des années 70. "I'm Not in Love" est à peu près aussi doux que le soft rock n'a jamais été, glissant sur pas beaucoup plus qu'un petit piano Fender, une grosse caisse jouée sur un synthétiseur Moog et les voix haletantes, presque fantomatiques, du groupe. Ils ont utilisé des boucles de bande pour donner à leurs ahhs subtils une sensation éblouissante de chorale, en arrivant à un son astucieusement léger qui présageait les textures ambiantes raffinées de groupes comme Stereolab, Broadcast et Air d'environ deux décennies. —JD

Même selon les normes étranges des années 1970, les Sweet étaient un groupe étrange avec une discographie déroutante et de nombreux albums américains et britanniques portant le même nom et des chansons différentes. Beaucoup de leurs premiers succès ont été écrits par les producteurs savants de power-pop Nicky Chinn et Mike Chapman, et visaient le fandom glam. D'autres singles ont été écrits par le groupe lui-même, mais souvent toujours produits par Chinn et Chapman dans un penchant plus lourd. Parfois, le groupe a couvert ses paris: la version album de 1974 de ce monstre est beaucoup plus lourde que le réenregistrement plus connu de 1975, qui tombe dans une ouverture de synthé inspirée au fromage, un son plus gommeux et moins de solo de guitare. Les deux sont géniaux : le doux batteur Mick Tucker a toujours créé des parties sympas, et les paroles parlent extrêmement d'une groupie. —JG

Louche en surface mais particulièrement romantique, la coupe reggae-pop sans cesse accrocheuse "Escape (The Piña Colada Song)" condense la pointe des années 70 et 80 en quatre minutes décontractées - fermez les yeux et vous pouvez voir le Des lampes Tiffany et des fougères ornent le O'Malley's, le bar où Rupert Holmes et son correspondant publicitaire personnel planifient leur premier rendez-vous. L'auteur de la lettre rencontre en fait sa femme, créant une histoire de chien hirsute qui serait le succès de n'importe quelle fête clé. La livraison décontenancée de Holmes et la guitare électrique épaisse comme un tapis de velours, ainsi que son refrain jubilatoire, transforment "Escape" en une source de confort kitsch, idéale pour Star-Lord à utiliser comme bande-son de décompression tout en chérissant le retour de son Walkman dans le premier épisode des Gardiens. —MJ

David Bowie était un gars de la bande dessinée, dans tous les sens : il les aimait, en a écrit un et en a eu plusieurs écrits sur lui. Et qu'est-ce que Ziggy Stardust sinon un héros de bande dessinée vivant? "Moonage Daydream" est la meilleure chanson de cadet de l'espace de Bowie dans une carrière qui en a eu plus que quelques-unes. Il a coupé deux versions de ce classique. Le premier est un entraînement relativement intense avec un groupe appelé Arnold Corns. Cette dernière version, plus connue, coupée avec les Spiders From Mars, a tout pour plaire : un riff d'ouverture épique, des pianos et des guitares acoustiques et des cordes empilés, des paroles sur les yeux électriques et les pistolets à rayons, et un solo de Mick Ronson qui est une pure éruption solaire. C'est aussi la chanson parfaite pour les héros de la bande originale des Gardiens volant dans une colonie minière construite autour de l'énorme crâne d'un dieu de l'espace. —JG

Pour vous motiver tout en distrayant votre adversaire avant une confrontation, vous ne pouvez pas faire mieux que de vous lancer dans le succès soul-pop "Ooh Child" du groupe familial de Chicago Five Stairsteps en 1970 - et Star-Lord fait exactement cela quand face à Ronan l'Accusateur dans le premier opus des Gardiens. Il a même des mouvements pour accompagner les paroles résolues, qui l'incitent à appeler à une danse qui mène à sa "grande fleur d'étron" d'un ennemi ayant son attention suffisamment détournée. -MJ

Un incontournable de la radio rock pendant la majeure partie des six dernières décennies, "Crazy on You" passe des préliminaires acoustiques à la luxure électrique tonitruante, une ode entraînante à avoir beaucoup de sexe avant de partir au Vietnam ou en tant qu'adolescent soupape de sécurité contre le chaos de Bouleversement social des années 1970. Avant son utilisation dans Vol. 3, "Crazy" a servi de référence pour la bande originale de films et de séries télévisées depuis le début des années 1980, signifiant un désir féminin imparable partout, du film culte American Pop de 1981 à l'époustouflant The Virgin Suicides de Sofia Coppola, et, bien sûr, Harold et Kumar Go to White Château. —JG

"Voici Sam Cooke… l'un des plus grands chanteurs de la Terre de tous les temps", a déclaré Peter Quill à Gamora en la rapprochant tout en lui présentant le concept de la danse dans le premier film des Gardiens. Alors que certains pourraient ergoter avec la qualification de Quill – Cooke est sûrement là-haut sur la liste des meilleurs de la galaxie, sinon de l'univers? - il est indéniable que "Bring It on Home to Me", teinté de gospel, sorti à peine deux semaines après que Cooke l'ait enregistré devant un groupe de 18 musiciens au printemps 1962, reste l'un des plus sublimes de la pop descriptions du désir. —MJ

Une chanson sur le désespoir et les difficultés si irrésistiblement assoiffée de cœur qu'elle devient un hymne de détermination en lambeaux et d'espoir contre toute attente, "Badlands" ouvre le quatrième album de Bruce Springsteen, Darkness on the Edge of Town, avec ce que Stevie Van du E Street Band Zandt a appelé "une sorte d'héroïsme guerrier". "Badlands" est l'endroit où Springsteen a détourné son attention des histoires d'enfants de Jersey avec des rêves de New York et vers le cœur des États-Unis - d'où les héros guerriers seraient parfois nés. —JD

Marvin Gaye et Tammi Terrell semblent prêts à conquérir le monde sur cette chanson, et ce n'est pas seulement les paroles - l'empressement dans leurs voix est irrésistible et convaincant, poussé par l'un des arrangements les plus urgents de Motown. Les écrivains mari et femme Nickolas Ashford et Valerie Simpson étaient des experts du mélodrame musical – le mélange enivrant de piqûres filmiques et de phrasé gospel, pour un – mais la vraie poussée du morceau vient du bassiste James Jamerson. Il prend le commandement dès la première mesure et ne lâche rien, inlassablement prêt à vous pousser tout seul sur la montagne. —MM

Il était impossible pour Vol. 2 pour avoir une scène d'ouverture aussi surprenante et joyeuse que la danse de Star-Lord autour d'une ancienne planète sur les souches de "Come and Get Your Love" de Redbone dans le premier film des Gardiens, mais en utilisant le "Mr. Blue Sky" glorieusement ensoleillé d'ELO pour donner un coup de pied hors Vol. 2 était plutôt bien. La mélodie de 1977 a toujours eu une ambiance de cadet de l'espace : les paroles enjouées de Jeff Lynne sur rien, cette partie de violoncelle saccadée et un vocodeur qui sonne depuis Mars. Des jeunes de 13 ans qui ne connaissaient pas Jeff Lynne de Jeff Bezos sont devenus fans d'ELO du jour au lendemain, alors que nos héros combattaient des monstres géants et qu'un bébé Groot inconscient se frayait un chemin à travers des explosions laser et des tentacules volantes. —JG

La prémisse de charger un film Marvel avec des pistes classiques aurait pu conduire à une série interminable de "Je reconnais ça!" gouttes d'aiguille. Au lieu de cela, ils gardent les gros succès pour quand ils en ont vraiment besoin – comme le dernier film du premier film de bébé Groot se faisant progressivement persuader de suivre l'immortel "I Want You Back" des Jackson 5. La piste, à partir de cette cascade d'ouverture, reste indéniable, portée par la meilleure ligne de basse marchante de la galaxie. —CP

La pièce maîtresse du chef-d'œuvre de Fleetwood Mac, Rumours, a pris forme très progressivement. "[Ça] a commencé comme une chanson à Sausalito", a déclaré le guitariste-chanteur Lindsey Buckingham à Cameron Crowe de Rolling Stone en 1977. "Nous avons décidé qu'il fallait un pont, alors nous avons coupé un pont et l'avons monté dans le reste de la chanson. Nous Je n'ai pas eu de voix et je l'ai laissé longtemps dans un tas de morceaux. Il a failli disparaître de l'album. Ensuite, nous avons écouté et décidé que nous aimions le pont, mais que nous n'aimions pas le reste de la chanson. … Le La fin était la seule chose qui restait de la piste originale. Nous avons fini par l'appeler "The Chain" parce que c'était un tas de morceaux. Mais cela reflétait parfaitement un groupe qui s'était presque effondré en faisant l'album – et s'est maintenu comme un hymne de résilience romantique. —MM

Hymne à l'étrange chaos des années 1970, "Surrender" est un cri de ralliement, une déclaration d'intention pour tous les enfants de la génération X (et leurs parents) qui semblaient juste un peu bizarres. Rien dans la batterie légèrement martiale ni dans le claquement de la guitare d'ouverture et le miroitement du synthé ne vous prépare aux braiments sournois de Robin Zander sur la façon dont sa mère lui apprend à éviter les MST. Le refrain se transforme en quelques bons conseils de vie de tous les temps : "Rendez-vous/Mais ne vous trahissez pas." Ce n'est pas seulement le meilleur single de Cheap Trick, mais peut-être la meilleure chanson power-pop de tous les temps. —JG

"Nous avons besoin de tubes et de folie", expliquait George Clinton en 1978 à propos de l'empire P-Funk qu'il supervisait. "La folie donne plus de résistance. Nous devons les affronter tous les deux, gagner et rester devant le peloton." Et le groove P-Funk le plus fou reste "Flash Light", le monstre de basse qui a conclu le classique du Parlement de 1977, Funkentelechy contre le syndrome du placebo, et, a déclaré Clinton, le "premier effort sérieux et conscient de P-Funk pour couper un single à succès". " Cela a certainement réussi - "Flash Light" a été numéro un sur le palmarès soul de Billboard pendant six semaines en 1978, grâce à une ligne de basse empilée et fondue, jouée par le claviériste Bernie Worrell sur son synthé Moog. —MM

Contributeurs : Jon Dolan, Joe Gross, Maura Johnston, Michaelangelo Matos, Clayton Purdom